Para que una persona que toca un instrumento logre mejorar cada día, se tiene que enterar si está tocando bien o si está sonando a mierda. Parece que la «sicología» moderna no permite que se le diga al estudiante que está sonando a mierda y los estudiantes esperan que uno se la pase diciéndole lo «lindo» que están sonando cuando sabemos que no es así.
A mí, en diferentes momentos, varios maestros me criticaron fuertemente mi pobre ejecución y fué precisamente eso lo que me motivó a mejorar.
Es una soberana MENTIRA eso de que la crítica le baja la autoestima al estudiante. Me refiero únicamente a momentos en los que se le dice «eso no es así, trátalo de este modo», «eso suena mal, inténtalo así», «eso sonó a mierda, míralo de esta otra manera».
El mundo de la Música es MUY cruel y competitivo. Si no le endurecemos el cuero de la piel a los estudiantes, ¿qué clase de músicos y personas tendremos en el futuro? Si seguimos así, sólo desarrollaremos personas que no serán capaces de sobrevivir en el negocio de la música, ni serán capaces de tocar con excelencia, porque cuando se estaban formando, no se les podía decir que sonaban a mierda. Tremenda receta para seguir bajando el estándar en la ejecución y en la ética de negocio.
Los estudiantes necesitan saber si lo están haciendo bien, pero también necesitan saber, muy claramente, si lo están haciendo mal.

Aquí les propongo dos temas y ambos son complicados, pues tienen muchas versiones y variables, pero me interesa mucho su opinión al respecto.

1) Con los adelantos en tecnología, en donde casi cualquier persona que tenga poco o cero talento, con MUCHA edición se puede lograr que suene como un gran músico, sigo pensando que las grabaciones deben sonar a grabaciones y las cosas en vivo deben sonar a cosas en vivo.  ¿Es responsable dejar que la frontera entre grabación y «live» se siga borrando?

Y por otro lado,

2) ¿Hasta dónde es responsable alterar algo mal tocado cuando se edita en vez de simplemente grabarlo otra vez, hasta que salga bien?  Es casi una pregunta retórica, pero, ¿deberíamos ver a la música grabada como vemos las fotos, en donde hay quien usa «Photo Shop» a morir?  No me malinterpreten, aprecio los adelantos en tecnología y me encanta el «copy and paste», pero me pregunto, hasta dónde deberíamos aprovecharnos de la tecnología?  ¿No deberíamos practicar más para que nos salgan más fácilmente la cosas difíciles de tocar?

En todos los arreglos hay secciones que repiten varias veces,  ya sea la introducción, el cuerpo del tema, el coro, el Mambo, etc.   Recientemente, he observado que una mayoría de arreglistas o copistas han dejado de especificar claramente cuántas veces se supone que repita la sección.

Es cierto que si la sección se toca un total de 4 veces, se escribe «1. 2. 3.» en la primera casilla y «4.» en la última casilla.  Por ejemplo:

Eso está bien, pero cuando uno está leyendo a primera vista, ya sea de sustituto o porque no hubo ensayo, uno necesita toda la ayuda posible, porque hay mil cosas en las cuales uno tiene que estar pendiente.

Sería de gran ayuda si se especifica el total de las veces que la sección va a repetir, escribiendo el número al principio de la sección a repetirse.

Por ejemplo:

Se usa la «X» por «tradición.  No se si es que se cogió prestado del inglés «4 times» o algo así, pero la «X» funciona.

Sea como sea, especificar la cantidad de esta forma, ayuda grandemente para uno no seguir a la última casilla , cuando se debería estar  repitiendo.  Así, vas a tener la Banda completa en el mismo sitio.

Gracias.

Muchos compañeros me han preguntado qué pienso en cuanto a practicar con sordinas hechas para eso.  Se que hay muchos que las usan y quiero hablar de mi experiencia con ellas.

Todas las veces que uso sordina de práctica por LARGOS períodos, siento que «algo anda mal» cuando luego toco sin ella.

Más específicamente, me sucede lo siguiente:

1. Fallo demasiado (3 ó 4 notas de cada 10)

2. Se me hace mucho más difícil ajustar la afinación de las notas

3. Se me hace demasiado difícil percibir el centro de las notas en mi boca antes de tocarlas (en cualquier registro)

4. Siento mi sonido sin centro (regado)

5. Siento mucha menos flexibilidad disponible para tocar, como si la boca estuviera totalmente rígida

6. Mi uso del aire no se siente bien para nada, porque con la sordina no puedo usar el aire normalmente, sin «romperme» algo interno (testículos, por ejemplo…?).

Esto representa un dilema para quienes el practicar sin sordina significa tener problemas con los vecinos, con su pareja o solo pueden practicar tarde en la noche o de madrugada.

Una posible solución sería practicar una parte de la «rutina» con la sordina y otra parte solo con la boquilla, cubriendo el «backbore» con una toalla.  No es una solución perfecta, pero atenúa bastante el sonido (en este caso, es ruido) y aún usando la boquilla de esta forma, es «menos malo» que usar la sordina de práctica para toda la «rutina» usual.

Antes que alguien me pregunte qué marca de sordina recomiendo, tengo varias y todas se sienten bastante parecido.  No voy a recomendar marca alguna, pues no valdría la pena.

Dicho esto, hay algunos compañeros que utilizan la sordina tipo Copa (Cup Mute) para practicar y aunque atenúa menos y quizás no elimine los problemas con los vecinos, la sordina de Copa es muchísimo más eficiente y menos peligrosa para el labio.

Espero que esto ayude.

Ha habido varias personas que me han escrito en cuanto a que su grabación favorita de mi época de grabar Merengues en los ’90 es «Me olvidé de vivir» de Toño Rosario.  Estas personas han mencionado cumplidos en cuanto a mi sonido, brillo, etc en esa producción y eso me puso a pensar en algo que me voló la cabeza al recordarlo:

En esa producción, toqué con bastante MENOS volúmen de lo usual para mí en esa época y es cierto que la calidad de sonido salió mucho mejor.  Esto debería ponernos a pensar cuando vengan los momentos en que queremos tocar más duro que la Vida misma.

Depende a quién le preguntes, estamos en tiempos malos o en tiempos muy buenos.  En cualquier momento en la Histora, siempre hay a quien le va mal y a quien le va bien.  No solo en lo económico, sino en todos los aspectos de la vida.

Este artículo se trata de lo económico y quizás, roza un poco en lo ético y hasta en lo moral, relacionado a lo económico.

En la vida, a veces se gana y a veces se pierde.  Los que escogimos esta carrera, entendemos y conocemos muy bien las pérdidas. Es como si la gente en general quisiera que perdiéramos, pues poca gente en la sociedad está de acuerdo cuando uno anuncia que quiere ser músico de modo profesional.  Estoy seguro que muchos de nosotros cuando éramos adolescentes escuchamos «consejos» de parte de algún familiar sugiriendo que ser músico no es una carrera estable.  Como sabemos, ningún trabajo o carrera hoy en dia es «estable».

Quizás ahí, con ese implante de negatividad, comienza el por qué algunos compañeros permiten que a lo largo de su carrera, los sigan contratando cada vez por menos y menos dinero.

No soy el más caro que cobra, pero tampoco el más barato.  He estado en trabajos que pagan poco y en trabajos que pagan muy bien y no recuerdo haber hecho algún trabajo en el que me diga a mi mismo: «De verdad que me pagaron demasiado por este trabajo».  Siempre hay quien sabe lo que vale tener un buen músico en su orquesta o producción.  ¿Cómo es entonces posible que en el año 2010 haya quienes se siguen regalando por ahí?  Me refiero a quienes siguen tocando por salarios del año 1980 ($50 por un baile, $100 por un baile, grabando trompetas por $50 ó menos?).  Acompañando a más de 3 artistas por $200, $300 ?  ¿Acaso no se respetan a sí mismos?  ¿Acaso piensan que las cosas están realmente tan «malas» que hay que regalarse?  ¿Acaso no respetan a los demás compañeros?  ¿Es esta una época de «Sálvese quien pueda»?

Este año he dicho que no a ciertos trabajos porque entiendo que la paga no es justa por el trabajo a realizar, y siempre ha habido quien haga esos trabajos.  «Los desechos de una persona son la comida de la otra».  Suena feo, pero es la realidad de la vida en muchísimos aspectos.  Aclaro que cuando comenzaba, muchas veces fuí quien trabajó «los desechos» de otros, pero tampoco cobré menos que otro a propósito para quedarme yo con el trabajo…  Hay unos pocos que hacen eso consistentemente.

Recuerdo en los ’80 que en Puerto Rico se pagaba menos que en Miami por grabaciones de salsa y hablé con el productor en ese momento y logré que se igualara la paga a lo que pagaban en Miami para los que grabábamos en Puerto Rico.  Hoy en dia, parecería que la competencia es a ver quién cobra menos.  No podemos seguir en esas, porque se van a seguir aprovechando quienes entienden cómo reducir gastos y ganar más ellos.  Esas personas no entienden que es bueno mantener a los músicos contentos.  Nuestra importancia es muy menospreciada por algunos, y a veces hasta por nosotros mismos.

En los negocios, los que están a cargo buscan ganar lo más posible, como es debido, pero en el mercado Latino, ufff, se pone difícil la cosa generalmente.  ¿Cómo es que en el mercado americano se juntan 4 personas a escribir una canción y todos ganan?  La mentalidad Latina es «todo para mí, nada para tí».  Por eso, muchas veces vemos espectáculos de mala o mediocre calidad, malos sonidos, malas escenografías, grupos sonando como si fueran bandas de principiantes.  Para una producción en vivo o grabada, lo más barato ahora puede resultar en lo que garantice que no haya más ingreso en el futuro, porque la falta de calidad es detectada por cierta parte del público, quienes no comprarán ese producto de nuevo.  Es mejor el 20% de mucho que el 100% de nada.

El regalarse ocurre también en conciertos Cristianos.  Ese mercado (no dejen que alguien les digan lo contrario) genera MUCHO dinero.  ¡MUCHO!  Tengo entendido que hasta su propio sistema de «Payola» tienen.  Se llama «Donación» y hay que pagarla para que te toquen tu tema en sus emisoras.  Recientemente hubo un concierto Cristiano aquí en Puerto Rico en el Coliseo.  Estoy seguro que había al menos 18,000 personas pagando, había auspiciadores invirtiendo y también estoy seguro que las taquillas NO eran a $5, sino mucho más caras.  ¿Cuánto cobraron los músicos de ese concierto por acompañar a más o menos 4 artistas y tocar un total de casi 40 canciones?:  $450 incluyendo los ensayos.  Permitieron que los cogieran de pendejos en el nombre de Dios.

Esto que escribo es muy fuerte, lo se.  Creo que ofenderá a algunos, pero no me importa, porque todos nosotros nos quejamos y seguimos en las mismas.  Yo soy uno de muchos que se ha quejado, uno de muchos a quien han cogido de bobo, uno que ha visto cómo con una sonrisa, se quedan con dinero que es para nosotros y nos siguen abrazando cuando nos saludan.  ¿Hasta cuándo?

En mi cuenta de Facebook he escrito sobre esto anteriormente y algunos de los que comentan son de los más barato que están cobrando por ahí.  Explíquenme eso…

Es cierto que no son los ’90, no hay aquella bonanza económica.  Los sueldos se han reducido, hay gente perdiendo sus trabajos todos los dias, pero eso ha ocurrido en todas las épocas, aún en las de bonanza.  Eso no quiere decir que por sobrevivir tenemos que cobrar más y más barato cada vez.  Los productores de espectáculos han sentido el golpe también, pero hay otros lugares en los que se puede economizar en vez de estar pagando menos y menos a los músicos.  Teniendo 10 alcahuetes menos, por ejemplo.

Originalmente escribí este artículo cuando tenía 43 años.  Ahora (junio de 2016) tengo 49.

Dándome cuenta que el reloj no perdona a nadie, especialmente a los que se ponen Botox cada pocos meses y se ven bastante mal y hasta más viejos, decidí añadirle un par de cosas a este artículo.

A mi edad es muy real que el reloj solo va hacia adelante y me alegra que he logrado seguir vigente en mi carrera, a pesar que en Latinoamerica no se respeta a las personas que van entrando en edad.

Si eres joven, no creas que permanecerás de la misma edad toda tu vida.  Quizas no has pensado que como trates a los mayores hoy, te tratarán los más jóvenes a medida que te vayas poniendo «viejo».

Si eres «viejo», deberías saber que hay viejos que se convierten en Leyenda.  Una buena meta es conventirse en uno de esos.

Si eres joven y te mercadeas como «lo nuevo», o como «lo juvenil» y por tu joven edad piensas que eso te hace mejor que el resto del Planeta, cuando pasen unos pocos años, ya no serás «lo nuevo».  Siempre habrá otros más «nuevos» que tú.  Entonces, ¿qué se hace?  (pregunta retórica).

Lo más importante y útil que podrías estar haciendo es tu trabajo lo mejor posible y no hablar tanto acerca de cómo tu edad te «cualifica» para estar en donde estás en este momento.

Es hasta peor si dentro de tí sientes que mereces estar en el grupo Tal o trabajo X, en vez del «viejo» ese.

Eso es envidia.

La lista de cualificaciones es más larga que solo «juventud».

Recuerdo cuando era yo el más joven en todos los trabajos que hacía.  Hay vídeos por ahí de cosas que hice cuando tenía 15 años (claro, hay muchos que han empezado siendo más jovenes que eso).

Empecé a grabar profesionalmente siendo muy joven y cuando la línea de músico de estudio y músico de grupo estaba bien definida.  No recuerdo haber tratado a los músicos mayores que yo con algo que NO fuera respeto.

Siempre me callé la boca e hice lo que me decían.  Así, calladito, aprendí.  Hoy en dia, sigo aprendiendo, aunque ahora muchas veces soy el mayor o uno de los mayores en los trabajos que hago.

Y me gusta eso porque soy parte de esas energías y ganas que traen los más jóvenes y eso, combinado con mi experiencia, crea cosas muy buenas en tarima o el estudio.

Soy muy afortunado que a los sitios que voy a trabajar o enseñar, los jóvenes (y no tan jóvenes) me tratan con mucho respeto.  Asumo que es en parte por mi experiencia, trayectoria, les gusta como toco, o simplemente son personas respetuosas y he tenido suerte.  Aparte que según yo, soy repetuoso también.

A los que se han dado cuenta que el reloj NO discrimina, los felicito.   A los que se creen que son viejos porque tienen la edad X, no se sientan mal con ustedes ni se crean que no merecen trabajar o no merecen cosas buenas en la vida.  Todo lo contrario.

En los países latinos no respetan a sus viejos tanto como en otras culturas (la Oriental, por ejemplo).   Pero a tí, que te sientes viejo teniendo solo 30 años, te reto a que sepas que la experiencia da cosas que la juventud por sí sola, no te puede dar.  Aprovecha y gózate la vida.  Cada año es bueno.

Los que hacen ruido diciendo que son jóvenes, se darán cuenta quizás muy tarde, que la edad no tiene mucho que ver en esta carrera.  Cuando uno se pone la trompeta en los labios para tocar, lo que importa es lo que salga por la campana.  A no ser que se trate de un show donde haya que saltar y hacer acrobacias.  En ese caso, alguien más joven tiene ventaja.

Pero para grabar o tocar un show donde sólo se ensaya una vez, la edad no importa.  Más importa la disciplina, talento, conocimiento, respeto a la música, ser capaz de seguir instrucciones y estar consciente que estamos allí para lograr que la música suene a cierto nivel.

Busquemos siempre excelencia y cuando la logremos, no pensemos que es por nuestra edad.  Sepamos que es por muchos factores combinados.

¡Adelante siempre!

La mayoría de los trompetistas quieren ser o llegar a ser 1eras trompetas.  Ha habido situaciones en las que dos trompetistas llegan a un trabajo y ambos quieren tocar el libro de 1era trompeta.  Llegan a casi discutir por el dichoso libro.  ¡Qué estupidez!  Es gracioso que en este caso, el que terminó tocando segunda trompeta, le puede hacer la vida tremendamente miserable al 1era trompeta.

Por eso mismo, quien toca segunda trompeta en la sección tiene una gran importancia.  La actitud y la aptitud del segunda trompeta pueden lograr que el 1era trompeta suene excelente o que suene como un músico mediocre y es por eso que la silla de 2da trompeta es una de las menos comprendidas y probablemente, más menospreciadas de la sección.

Mi silla preferida es la de 2da trompeta, en serio.  Pero para eso, necesito que quien toque 1era trompeta sea consistente y falle poco.  Si no es así, nunca sabré dónde cortar mis notas o dónde tocar un poco más fuerte para apoyarlo, o dónde tocar más suave para ayudarle a «cantar».

Si soy quien está tocando 1era trompeta, necesito que mi 2da trompeta esté pendiente a salvar mi vida (labios) y a ayudarme cuando lo necesite.  Necesito que me siga en donde corto las notas, que siga mis respiraciones, que a veces siga mis vibratos, que me siga en la duración de mis «drops» y lo más importante, que NUNCA toque más fuerte que yo.  Nunca.  Puedo tocar con bastante volúmen, pero muchas veces decido tocar con un tono que proyecte y que sea lo suficientemente fuerte como para que la banda entera me escuche, pero no más fuerte que eso (digo, asumiendo que la banda esté tratando de escucharme, pero eso es otro tema).

Esto tiene muchos aspectos y solamente quiero abrir la puerta a un compartir en cuanto al tema.  Todos queremos y necesitamos tocar en una sección de trompetas balanceada.  Eso no siempre se puede lograr por la falta de conocimiento de algunos y el Súper Ego de otros.  Dicho esto, es posible sonar espectacular como sección sin importar quién esté tocando con quién.

El 2da trompeta es alguien que tiene un gran valor.  Trátalo bien.  Puede hacerte la vida imposible, hasta matarte, je je.

A base del artículo en cuanto al micrófono, un compañero trombonista me preguntó acerca de la utilidad del famoso círculo de acrílico que varias personas usan para tratar de escucharse mejor en situaciones de mucho volúmen. Hace poco hablé con un gran ingeniero de sonido de Puerto Rico y me dijo que el círculo de acrílico saca el micrófono de fase, o algo así (quizás las palabras que utilizó fueron algo diferentes).

¿Podrían, por favor, explicar un poco más en cuanto a esto los compañeros ingenieros de sonido?

Gracias.